時間：2023-04-03 09:57:26
引言：易發表網憑借豐富的文秘實踐，為您精心挑選了九篇鋼琴伴奏藝術論文范例。如需獲取更多原創內容，可隨時聯系我們的客服老師。
舒伯特藝術歌曲的創作，經歷了三個不同的階段，但是每一個階段都是以不同階段所在時期的背景作為創作的基礎，創作的角度也是多種多樣的。無論是描繪愛情的作品還是描繪大自然風光的作品，都體現出千變萬化的特點，所以也就導致了歌曲的伴奏曲創作是不能一簇而就的。要針對每一首歌曲的整體特點，創作出適合歌曲的伴奏曲，所以在伴奏曲的創作上，首先是對歌曲的整體把握，深入的了解歌曲所表現的情感以及表達的思想，才能創作出好的伴奏曲，幫助演唱者理解歌曲。從舒伯特的藝術歌曲中能夠看到，它的整體的創作風格是全面的。從聲音的形象來說，非常具有歌唱性，能夠讓歌唱者更快的融入到歌曲中。在曲調色彩的比較上比較明顯，具有旋律性的意義多是體現在低音上面。另外，舒伯特歌曲的曲風比較淳樸，跟民間情感非常的融合，并且也極具詩意。舒伯特創作的作品特點很多，雖然都是出自一人之手，但是在每個作品會存在著差異，所以這就要求我們對不同曲調的深入理解。在對一個作品的解析時，先是熟悉作品的創作時期，創作的背景都是歌曲的底蘊，每個時期有著不同的背景，所表現出來的曲調的情感和內容都是不同的，也只有在特定的背景下，我們才能更好地理解曲調所表現出的情感。
二、舒伯特藝術歌曲鋼琴伴奏研究
1．藝術歌曲整體速度的把握
在所有歌曲面前，適當的演奏速度是好作品的標記，所以，演奏的速度是演奏的關鍵。歌曲是緩慢的，演奏的速度就必須是緩慢的，只有在速度和旋律上高度統一才能展現作品的情感。演奏者找到合適的速度對歌曲進行處理，但是也要充分發揮作品的內容，不能破壞作品的節奏感，在演奏中要盡量地展現作品的整體風格。
2．藝術歌曲作品的句法和呼吸
演唱者對歌曲的理解首先是對歌詞的理解，在歌曲的句法特點上進行呼吸。演唱者根據句法和歌詞的內容來決定歌曲演唱過程中的停頓或者是呼吸，只有這樣才能更好地展現歌曲的情感和內容。例如舒伯特的《從塔塔羅斯來的人》，整個曲目一共被分為四個部分，在第一部分的第二十一小節一直到第二部分第二十二小節的轉折的地方，是用來抒感，鋼琴伴奏的重音就是新的樂句開始的提示。伴奏部分的音域不斷地開始提升，就會帶動更多的情緒。
3．藝術歌曲作品中的休止的運用
休止的手法在鋼琴伴奏曲中式非常重要的手法之一，是情緒產生變化的原因。舒伯特在他的藝術歌曲中使用了大量的休止的符號，很多時候，為了能夠讓歌曲中的情感更加自然的發生轉變，休止符在適當的時候出現。
4．藝術歌曲作品中獨奏聲部的認識
在鋼琴伴奏曲中，獨奏聲部是指除了歌唱部分以外的鋼琴演奏的部分。這些獨奏的部分一般都是情感轉換的過度部分，演奏者需要對這些獨奏部分的內容進行深入的理解，把握情感的變化，才能在鋼琴演奏的過程中展現出飽滿的情感。所以在音樂作品的演奏過程中，作品分析的過程非常的重要，也是鋼琴演奏之前必須掌握的一項技能，在鋼琴演奏曲的過程中，只有從以上幾個方面深入理解，才能更好地對歌曲進行演奏。
5．鋼琴演奏中人聲和伴奏的結合
在舒伯特的藝術歌曲中，鋼琴伴奏具有非常獨特的感染力，在整個演唱中發揮著重要的作用。舒伯特藝術歌曲中都有人聲和伴奏的結合。伴奏聲部對歌曲的演唱會有著重要的補充作用，很多時候，歌詞和人聲都無法將歌曲的情感全面的表達出來，在鋼琴演奏的過程中，無詞勝有詞，能夠更加襯托出歌曲的情感。另外在歌曲中，伴奏聲部對歌唱具有烘托的作用，演奏聲部將情感渲染到一定程度再由歌唱聲部展現歌詞的情感，這樣更加能夠將歌曲的情感全面的表現出來。伴奏聲部跟歌唱聲部要展現出和諧統一的狀態。要想表現出情感豐富的歌曲，就一定要讓伴奏部分的情感跟歌唱部分的情感保持高度的統一，無論是曲調還是在情感上，都要具有一致性，才能讓整個歌曲表現出強烈的情感，開創自己的風格。
三、總結
作為豐富多彩的聲樂藝術中一個“獨特的”品種，它的價值就像鋼琴教材中的肖邦、李斯特的音樂會練習曲，或小提琴教材中的帕格尼尼的隨想曲一樣，既具有高度技巧性、又具有高度藝術性，是提高聲樂專業的全面技巧、藝術水準的重要途徑。音樂會練聲曲相對于聲樂練習曲來說，它不僅囊括了各種聲樂技巧。而且還具有很高的藝術價值，更強調的是歌唱者對作品的理解和對歌曲技巧的把握發揮，這更是歌唱修養不可或缺的重要因素。
在西方藝術音樂發展的歷史長河中，歌唱藝術從古希臘的吟唱史詩到中世紀的復調合唱，再到十七世紀初的抒情性音樂劇，歌唱已成為一門富有表現力的藝術。舒伯特曾經說過：“在整個音樂藝術中，歌唱不可爭辯的是處于首要地位的，它是一切旋律、轉調與和聲所環繞的軸心。所有的樂器不過是歌唱聲音的模仿。歌唱好似一位帝王坐在他的寶座上，而環繞它的一切樂器都好像是俯首稱臣的諸侯王公。人聲本質上是一種最原始的聲音。世界上一切其他的聲音不過是這神圣的原始聲音的一種遙遠的回聲。人類的喉嚨是世界上最初的、發聲最純正的、最值得贊美的樂器!”。
而要把人類的喉嚨訓練成美妙動聽的歌喉，就要進行一系列的聲樂訓練，以達到專業化的歌唱水準，歌劇和美聲唱法的發展更需要良好的聲樂技巧和藝術修養作后盾，中國聲樂教育家尚家驤曾指出“很多教師把聲樂練聲曲作為學生演唱歌劇前的技術準備材料”，這就使音樂會練聲曲的前身――現在普通而常見的聲樂練聲曲的產生和發展成為可能和必須。
“普通而常見”的練聲曲主要有兩個來源：
一種來源是十九世紀早期。出版的有鋼琴伴奏的視唱練耳練習曲。
視唱曲在巴洛克時期就已出現，而視唱練耳教材在十八世紀的法國和意大利已經大量出版。視唱曲一般用“唱名”而非“元音”來演唱。一些早期聲樂教師延續了這種演唱習慣，例如，多梅尼科?科里在1810年出版的《演唱指南》(The Singer's Preceptor)和曼魯艾爾?加西亞在1840年出版的《歌唱藝術論文全集》(Trait complet lart du Chant)中，也開始出現演唱“唱名”而非“元音”的聲樂訓練材料，這可以說是聲樂練聲曲的雛形。后來，這種有曲調而無歌詞、同時還帶有鋼琴伴奏練習曲的形式，便逐漸定型為練聲曲的經典組合形式。到了19世紀中期又有了更多的此類出版物，而聲樂教師亨瑞奇?帕洛夫卡(Henri-chi Panofka，1807―1887聲樂教師、小提琴手、作曲家)在巴黎的時期出版的同類出版物，已經明確為五本的聲樂練聲曲。
值得一提的是帕諾夫卡在1840年時研究了眾多歌唱家的演唱技巧(如：Marco Bordoni/Jenny Lind/Lablaehe/Frasehini/Staudigl)，于1852年在倫敦出版了第一本具有教育性的聲樂作品《聲樂指導訓練》(《Practical Singing Tutor》)；1854年在巴黎出版了《歌唱的藝術》(《Lart de chanter》op.81)一書，給他帶來了作為小提琴手和作曲家所不能獲得的巨大成就。而1858年他為初學者寫的一本《帶字母的聲樂訓練》(《Abecedaire vo-cal》)獲得了成功并具有創新性；最后的一本書《歌唱與聲音》(《Voix et chanteurs》op.85)是在前兩本書《歌晤的藝術》和《帶字母的聲樂訓練》的想法和材料的基礎上寫成的，其中還包括了許多著名的聲樂歌唱家歌唱時的生理感覺。
另一個來源是將已有的聲樂作品去掉歌詞后作為練聲曲。
